Mit seinem Roman „Hectors Reise oder die Suche nach dem Glück“ gelang dem französischen Schriftsteller und Psychiater François Lelord ein Weltbestseller. Bei der Verfilmung ist der britische Publikumsliebling Simon Pegg – bekannt aus der Kult-Komödie „Shaun of the Dead“ sowie „Star Trek“- und „Mission: Impossible“-Blockbustern – für die Titelrolle des schrulligen Glückssuchers eine Idealbesetzung. Auf seinen Reisestationen trifft er mit Rosamund Pike, Stellan Skarsgård, Jean Reno, Toni Collette, Veronica Ferres und Oscar-Preisträger Christopher Plummer auf ein internationales Staraufgebot. Der britische Komödienprofi Peter Chelsom sorgt mit seiner flotten und herzerwärmenden Inszenierung dafür, dass man Hectors Glücksgefühle am Ende uneingeschränkt teilt:

Auch wenn man es ihm auf den ersten Blick nicht ansieht: In dem unscheinbaren Londoner Psychiater Hector steckt ein Abenteurer! Zwar führt der liebenswürdige, etwas schrullige Therapeut mit seiner attraktiven Freundin Clara, die ihn nach Strich und Faden umsorgt, ein bürgerliches Leben par excellence. Beruflich aber treibt Hector seit geraumer Zeit eine Unzufriedenheit um: Es gelingt ihm nicht, seinen Patienten dauerhaft zum Glück zu verhelfen. Doch Glück, was ist das überhaupt? Um das herauszufinden, bricht Hector – wie von seiner hellseherischen Patientin Anjali vorausgesagt – zu einer Suche rund um den Erdball auf. Aus Reisebegegnungen mit unterschiedlichen Charakteren wie dem Investmentbanker Edward, dem Entwicklungshelfer Michael oder dem Drogenbaron Diego trägt er eine Liste mit 15 Lektionen zusammen. Aber erst als seine frühere Geliebte Agnes ihn mit dem namhaften Glücksforscher Coreman bekannt macht, kommt er auf die richtige Frage.

Bernd Eichingers aufwendige Kinoproduktion schildert auf mitreißende Weise ein Stück deutscher Geschichte, in deren Verlauf die noch junge BRD in ihre bislang schwerste Krise geriet. Basierend auf dem gleichnamigen Sachbuch von Stefan Aust, skizziert das zeitgeschichtliche Drama die Radikalisierung von Teilen der Studentenbewegung hin zur selbst ernannten Stadtguerilla und rücksichtslosen Terrorbande, deren Anschläge im blutigen Deutschen Herbst des Jahres 1977 kulminieren. Besetzt mit einem beispiellosen Star-Ensemble, in dem sich selbst in Nebenrollen noch namhafte Darsteller finden, macht Uli Edels an Originalschauplätzen inszenierter Film nachvollziehbar, wie politische Ideale durch die Eigendynamik des Terrors korrumpiert werden. Dabei entlarvt diese dynamische und um größtmögliche Authentizität bemühte Zeitreise deutlicher als je zuvor die Brutalität und die autoritären Strukturen der selbst ernannten Antifaschisten.

Berlin, 1967. Bei einer Anti-Schah-Demonstration dreschen sogenannte Jubelperser auf friedlich protestierende Studenten ein. Es kommt zu Ausschreitungen, in deren Verlauf der Student Benno Ohnesorg durch die Kugel eines Polizisten stirbt. Nachdem auch der charismatische APO-Kopf Rudi Dutschke niedergeschossen wird, eskalieren gewaltsame Proteste gegen die Springer-Presse, deren Berichterstattung die Gesellschaft polarisiert hatte. Um das System nicht nur mit Worten zu bekämpfen, formiert sich eine Gruppe unter Führung der Pastorentochter Gudrun Ensslin und Andreas Baader. Nach einem Brandanschlag auf ein Frankfurter Kaufhaus werden die Drahtzieher verhaftet. Der unter großer öffentlicher Anteilnahme geführte Gerichtsprozess löst eine Sympathiewelle für die Stadtguerilla aus. Nachdem die Revision ihres Urteils abgelehnt wurde, tauchen Baader und Ensslin in den Untergrund ab. Die Vorliebe für schnelle Autos wird Baader zum Verhängnis, als er mit einem gestohlenen Porsche angehalten und verhaftet wird. Gemeinsam mit Ulrike Meinhof, Kolumnistin der linken Zeitung „Konkret”, organisiert Ensslin seine gewaltsame Befreiung. Polizisten und Unbeteiligte werden verletzt. Meinhof taucht in die Illegalität ab. Die Gruppe gründet die „Rote Armee Fraktion”, absolviert eine Ausbildung in einem palästinensischen Trainingscamp, raubt Banken aus und erschüttert die Republik mit Bombenanschlägen. Doch auch der Staat rüstet auf. Nacheinander gehen die Terroristen ins immer engmaschiger werdende Netz der Rasterfahndung von BKA-Präsident Horst Herold. Im Gefängnis verweigern die Terroristen aus Protest die Nahrungsaufnahme und gelten in der linken Szene bald als Märtyrer. Vom wochenlangen Hungerstreik geschwächt, stirbt Holger Meins. An seinem Grab bewegt Rudi Dutschkes Parole „Holger, der Kampf geht weiter” die Gemüter der Sympathisanten. Nach der Ermordung des obersten Berliner Richters besetzt das „Kommando Holger Meins” die deutsche Botschaft in Stockholm. Doch der Versuch, mit der Erschießung zweier Unschuldiger die RAF-Mitglieder freizupressen, scheitert. Unter dem Druck der Öffentlichkeit wird die Kerngruppe im Stammheimer Hochsicherheitstrakt zusammengelegt. Während des Prozesses verhöhnen Andreas Baader, Gudrun Ensslin und Ulrike Meinhof gemeinsam das Gericht. Hinter den Kulissen wird Ulrike Meinhof jedoch als Verräterin angefeindet. Sie hält dem psychischen Druck nicht stand und verübt Selbstmord. In der Öffentlichkeit hält sich das Gerücht einer Hinrichtung. Mit der Ermordung des Generalbundesanwalts Siegfried Buback rächt sich das „Kommando Ulrike Meinhof” an dem vermeintlich Schuldigen. Nach ihrer Entlassung aus Stammheim organisiert Brigitte Mohnhaupt die „zweite Generation”, die den politischen Terror radikalisiert. Gemeinsam mit Christian Klar erschießt sie den Bankier Jürgen Ponto. Motiviert durch eine Selbstmord-Ankündigung der Stammheimer, versuchen Mohnhaupt und Klar durch die Entführung des Arbeitgeberpräsidenten Hanns Martin Schleyer, die RAF-Begründer freizupressen. Die Entführung einer Lufthansamaschine und der Selbstmord von Baader, Ensslin und Raspe führen zum blutigen Höhepunkt des Deutschen Herbstes.

Wer liebt nun wen? Ist es für immer oder nur für eine Nacht? Diese Fragen beantwortet Danièle Thompson in ihrer federleichten Ensemblekomödie auf hinreißend französische Art. Neben Multitalent Dany Boon, der mit „Willkommen bei den Sch’tis“ von sich reden machte, liefern sich die französischen Stars Karin Viard, Patrick Chesnais, Pierre Arditi, Laurent Stocker und Patrick Bruel einen munteren Schlagabtausch. Zu sehen ist auch Emmanuelle Seigner, von deren Ehemann Roman Polanski übrigens das von französischen Gaumen so gefürchtete Kohlrezept stammt.

Alljährlich zum kalendarischen Sommeranfang, dem 21. Juni, laden die Pariser Scheidungsanwältin ML und ihr depressiver Mann Piotr Freunde und Bekannte zum Abendessen ein. Zu den Gästen zählen MLs künftiger Arbeitgeber, der zynische Anwalt Lucas , der mit seiner intellektuell unterforderten Frau Sarah einen beinharten Rosenkrieg führt. Nicht fehlen darf auch MLs Freundin, die frömmelnde Gynäkologin Melanie, die ihren Mann, den berühmten Onkologen Alain Carcassonne, nicht mehr liebt und als gute Katholikin den lieben Gott um seinen Segen für einen Seitensprung bittet. Im siebten Himmel schwebt allein MLs Schwester Juliette, die gerade den etwas zerknitterten Schauspieler Erwann geheiratet hat. Der mutterfixierte Handwerker Jean-Louis, die krebskranke Flamencotänzerin Manuela und Henri, der eigentlich nicht eingeladene Vater von ML und Juliette, komplettieren die illustre Runde. Das zweite Glas Wein lockert zwar die Zungen, doch man erhält die Lebenslügen aufrecht. Selbst das polnische Kohlgericht des Hausherren, das den Gästen noch vom letzten Jahr im Magen liegt, wird nur hinter vorgehaltener Hand verspottet. Ein Jahr später trifft man sich wieder, aber inzwischen ist einiges geschehen: Sarah avancierte zur Bestsellerautorin, die krebskranke Tänzerin durchlebte eine Wunderheilung, und ML ist schwanger – allerdings nicht von ihrem Lover Jean-Louis, sondern vom eigenen Gatten Piotr. Doch der steckt in einer heißen Affäre mit Sarah.

Mit seinem Kinodebüt gelang es dem britischen Regisseur Duncan Jones, Sohn der Rock-Ikone David Bowie, dem Science-Fiction-Genre neue Impulse zu verleihen. Stilistisch und inhaltlich orientiert er sich eher an Klassikern wie „Lautlos im Weltraum“ oder „2011 – Odyssee im Weltraum“ als an den Fantasy-Welten von „Krieg der Sterne“ oder „Star Trek“. Jones kreiert mit wenigen, aber effektiven Mitteln und nur einem zentralen Darsteller – dem überragenden Sam Rockwell, der hier mit sich selbst um die Wette spielt – einen utopischen und dennoch menschlichen Zukunftsthriller. Jones lieferte eine überzeugende Visitenkarte seines Regietalents. 2009 wurde „Moon – Die dunkle Seite des Mondes“ als Bester britischer Independent-Film ausgezeichnet:

Die Energieversorgung der Erde dominiert in unbestimmter Zukunft ein gasförmiges Element namens Helium 3, das vom Konzernriesen Lunar Industries in großem Stil auf der Rückseite des Mondes abgebaut wird. Sam Bell hat mit der Firma einen Dreijahresvertrag abgeschlossen, um die Gewinnung des begehrten Stoffes auf einer Mondbasis zu überwachen. Nun nähert sich seine Tätigkeit ihrem Ende, Sams Konstitution hat unter der jahrelangen Einsamkeit – sein einziger „Kollege“ und gleichzeitig Kontrolleur ist eine intelligente, computergesteuerte Robotereinheit namens Gerty – merklich gelitten. Nach einem schweren Arbeitsunfall erwacht er mit Gedächtnislücken auf der Krankenstation und muss zu seiner Verwunderung feststellen, dass ein neuer Beauftragter von Lunar Industries seinen Platz eingenommen hat: ein junger Mann, der ihm aufs Haar gleicht, mit seiner Stimme spricht, seine Erinnerungen teilt und seinen Namen trägt: ein Doppelgänger. Nach anfänglichem Misstrauen kommen sich die beiden Sams schließlich näher und stellen aufgrund persönlicher Nachforschungen fest, dass sie beide zu einer Serie von in Masse produzierten Klonen gehören, die von der Konzernleitung immer dann neu aktiviert werden, wenn das Vorgängermodell nach dreijähriger Lebensdauer seinen Geist aufgibt. Alarmiert von dieser schockierenden Entdeckung und mit der ernüchternden Tatsache konfrontiert, dass ihre Auftraggeber niemals vorhatten, sie wieder nach Hause auf die Erde zu schicken, hecken der gesundheitlich immer stärker in Mitleidenschaft gezogene Sam und sein identisches Gegenüber einen Fluchtplan aus, den aber nur einer der Männer in die Tat umsetzen kann. Denn ihnen ist bewusst: Wenn das angekündigte Rettungsteam von Lunar Industries, das die Ursachen von Sams Unfall unter die Lupe nehmen will, auf der Mondbasis eintrifft, bedeutet das für sie beide nur eines: den sicheren Tod.

Zwei Hollywoodstars liefern sich im Generationendrama „Der Richter – Sein wichtigster Fall“ ein packendes Schauspielerduell. Robert Downey jr., selbst mit reichlich Gerichtserfahrung ausgestattet, brilliert als abgezockter Strafverteidiger. Schauspiellegende Robert Duvall beeindruckt in der Rolle des strengen Patriarchen, für die er zur Recht die siebte Oscar-Nominierung seiner großen Karriere bekam. Stilsicher führt Regisseur David Dobkin sein Gerichtsdrama auf die Plädoyers zu, bei denen es ebenso um den Fall wie den Vater-Sohn-Konflikt geht. Auch in den Nebenrollen ist der Film bestens besetzt mit Billy Bob Thornton als knallhartem Staatsanwalt und Vincent D’Onofrio in der Rolle des großen Bruders, bei dem Hank in einer schweren Schuld steht:

Moral spielt für den mit allen Wassern gewaschenen Großstadtanwalt Hank Palmer aus Chicago keine Rolle. Ganz anders sein Vater Joseph, der hochangesehene Richter von Carlinville im Bundesstaat Indiana. Kein Wunder, dass die beiden wenig miteinander anfangen können. Für die Beerdigung seiner Mutter kehrt Hank in seine Heimatstadt zurück. Dort ist alles beim Alten: Sein Vater lässt ihn die kühle Härte spüren, die ihn einst aus dem Elternhaus getrieben hat. Kurz ist die Wiedersehensfreude mit seinen Brüdern und einer Jugendliebe. Nach der Trauerfeier möchte Hank so schnell wie möglich weg. Es kommt jedoch anders, denn der Richter gerät nach einem Unfall mit Todesfolge unter Anklage und sein ungeliebter Sohn will ihn verteidigen. Eigentlich ist das die Chance, endlich die Anerkennung seines Vaters zu gewinnen. Der jedoch lehnt Hanks übliche Kniffe kategorisch ab und macht es ihm mit seinem Starrsinn zusätzlich schwer. Dabei steht für Joseph alles auf dem Spiel: der gute Ruf, die Lebensleistung und sogar seine Freiheit. Bevor Vater und Sohn an einem Strang ziehen können, müssen sie Einiges ausräumen.

Sie war nicht nur umschwärmter Hollywood-Star und Oscar-Preisträgerin. Sie war auch das, was man heute eine Stilikone nennen würde: Erst brillierte Grace Kelly in Klassikern wie „Zwölf Uhr mittags“, „Das Fenster zum Hof“ oder „Über den Dächern von Nizza“, dann strahlte sie als Fürstin Gracia Patrica von Monaco. Die Film-Biografie des Franzosen Olivier Dahan wagt jedoch einen Blick hinter die Kulissen des schönen höfischen Scheins. Vor dramatischem politischem Hintergrund erzählt er die Geschichte eines doppelten Unabhängigkeitskampfes: Während sich Monaco gegen Frankreich stellt, muss sich Grace/Gracia nicht nur mit ihrer Vergangenheit arrangieren, sondern sich auch in ihrer neuen Rolle Respekt verschaffen. Dahan mag sich bei seiner Charakterzeichnung einige künstlerische Freiheiten erlaubt haben, seine Starbesetzung mit Nicole Kidman und Tim Roth als Fürstenpaar ist jedoch über jeden Zweifel erhaben. „Grace of Monaco“ war 2014 Eröffnungsfilm der internationalen Filmfestspiele von Cannes. Wie passend: Genau dort lernten sich Grace und Rainier 1955 kennen:

Monaco, 1962: Sechs Jahre ist es her, seit aus der ehemaligen Hollywood-Diva Grace Kelly Gracia Patricia Grimaldi wurde, die glamouröse Ehegattin von Fürst Rainier III. Doch das streng geregelte, ritualisierte Leben am monegassischen Hof birgt auch viele Schattenseiten. Grace fühlt sich zunehmend in einem goldenen Käfig gefangen. Ihren Mann sieht sie selten, und mit ihrer offenen Art macht sie sich in erlauchten Kreisen nicht immer nur Freunde. Einzig ihrem Hofkaplan Francis Tucker kann sie sich anvertrauen. Die meisten Monegassen blicken dagegen argwöhnisch auf ihre neue First Lady – nicht zuletzt wegen ihrer amerikanischen Herkunft als umjubelter Filmstar. Genau in diesem Moment bietet Meisterregisseur Alfred Hitchcock ihr die Hauptrolle in seinem neuen Streifen „Marnie“ an. Grace ist hin- und hergerissen zwischen ihren künstlerischen Ambitionen und den Verpflichtungen, die einer First Lady von Monaco abverlangt werden. Sie steht vor einer schweren Entscheidung. Das Fürstentum ist finanziell angeschlagen und befindet sich in einer tiefen Krise: Rainier trägt sich mit Modernisierungsgedanken, er strebt die komplette staatliche Unabhängigkeit an. Ein Unterfangen, das der französische Staatspräsident Charles de Gaulle unter allen Umständen zu verhindern gedenkt. Um den aufmüpfigen Zwergstaat in die Knie zu zwingen, lässt er die Grenze schließen, droht mit einer sechsmonatigen Wirtschaftsblockade und militärischen Konsequenzen. Damit nicht genug, tobt am fürstlichen Hofe auch noch eine infame Intrige, die bis in höchste Familienkreise reicht. Ohne es zu wollen, wird Grace zum Spielball der Machtinteressen. Sie muss die bisher größte – und schwerste – Rolle ihres Lebens stemmen, um sich, ihrem Mann und ihrem Volk zu beweisen, dass Monaco auf seine Fürstin zu Recht stolz sein kann.

Dank einer überbordenden Fülle pointierter Alltagsbeobachtungen atmet der letzte Film des niederländischen Regiesseurs Willem van de Sande Bakhuyzen, der 2005 seinen schweren Krebsleiden erlag, Szene für Szene Leben – „Leef!“, so der Originaltitel. Grundlage des spannend erzählten filmischen Puzzles ist das wundervolle Drehbuch der Holländerin Maria Goos. Sie entwirft die originelle Figur einer Frau, die ihr Leben buchstäblich umschreibt: Ein Herz wird transplantiert, ein Bandscheibenvorfall mit Canabis kuriert – und die quälende Schuld am Tod des Geliebten ihrer Mutter, die Anna seit ihrer Kindheit belastete, fällt von ihr ab. „Im Labyrinth des Lebens“ ist eine gelungene Gratwanderung zwischen Telenovela und literarischer Filmerzählung voller Poesie – die aber dank einer dokumentarischen Bodenständigkeit nie aufgesetzt wirkt. Ein bewegender Film, der aus dem Vollen schöpft und nicht zuletzt dank der überzeugenden Darstellung der unverbrauchten holländischen Akteure lange nachwirkt:

Die 42-jährige Anna, seit 20 Jahren verheiratet und Mutter zweier Teenager, geht voll auf in ihrem Beruf als Hebamme. Doch ihr Familienleben ist eine einzige Katastrophe. Während ihr Mann Paul, ein erfolgreicher Architekt, vorgibt, den Hund auszuführen, geht er heimlich mit seiner jungen Mitarbeiterin Jolande ins Bett. Ihre herzkranke Tochter Isabelle wartet auf ein Spenderorgan. Die jüngere Tochter Robin reagiert auf die familiäre Misere mit Protest und Provokation. Als Anna und Paul sie rauswerfen, droht sie in die Drogenszene abzugleiten. Instinktiv spürt Anna, dass die Gründe für dieses Unheil tief vergraben in ihrer Vergangenheit liegen. Inspiriert von ihrem Praktikanten Gregor, beginnt sie schreibend ihre Kindheit zu erforschen: Ihre Mutter, eine alleinerziehende Schauspielerin, wollte Anna ins Internat abschieben, um mehr Zeit für ihren Geliebten Gerard zu haben. Doch das Mädchen machte ihr einen Strich durch die Rechnung, indem es Gerard umbrachte – so zumindest erinnert die erwachsene Anna die Nacht von Gerards Tod. Als sie ihre hartherzige Mutter mit der niedergeschriebenen Beichte konfrontiert, erlebt sie eine folgenreiche Überraschung.